Хадзимэ Сораяма родился в Японии, в 1969 году окончил Центральную художественную школу Чуби в Токио. Он начал свою карьеру в рекламе, затем работал фрилансером в Голливуде, где помогал создавать визуальные образы для научно-фантастических фильмов. Его работы с женскими образами, преследующими роботов и эротику, хорошо известны как в Японии, так и за ее пределами.
Он один из тех редких художников, которых одновременно признают как самые престижные институты мира искусства, так и известные дома высокой моды, эротические издания и транснациональные компании, специализирующиеся на новых технологиях.
Обширное творчество Сораямы, в центре которого находится постоянное стремление к красоте человеческого тела и машины, продолжает получать высокое международное признание, а его фирменная серия работ под названием «Сексуальный робот» (1978-) послужила созданию его всемирной репутации. Такие изображения, интегрирующие эстетическую красоту женского тела в контекст робота, оказали значительное влияние на последующие формулировки образов роботов. В 1999 году он получил премию Good Design Award (Министерство торговли и промышленности) и главный приз Фестиваля медиаискусства (Агентство по делам культуры) за работу с Sony над концептуальным дизайном развлекательного робота AIBO.
Сораяма живет и работает в Токио, Япония. Его работы находятся в постоянных коллекциях Музея современного искусства в Нью-Йорке и Смитсоновского института в Вашингтоне.
Блестящие женщины-роботы с обнаженными сладострастными изгибами, принимающие провокационные позы. Серия Sexy Robot, рожденная технологическими инновациями Токио конца 1970-х годов, является продуктом экстремального стремления к табу и фантастике в гиперреалистическом выражении. Ее создатель, Хадзимэ Сораяма, уже запустил уникальные проекты с творцами разных жанров, от SONY до DIOR и The Weeknd. Этой осенью он выпустит свою первую коллаборацию с брендом спортивной одежды PUMA, на которой будет изображен его собственный нарисованный логотип. Мы взяли интервью у Сораямы в его студии, где он активно работает над своей персональной выставкой за рубежом. Мы поговорили о происхождении табуированного выражения, движущей силе «Эроса» и проекте с PUMA.
Ваш путь как художника имел много поворотов и изгибов?
Я хотел сделать много разных вещей, но ничего не вышло. Я вообще не знал, чем заняться. Я хотел стать пилотом Сил самообороны, кузнецом мечей, плотником в храме и многое другое. Около полутора лет я проучился в университете при Южной пресвитерианской церкви, но он меня не заинтересовал. В качестве реакции на это я сделал пин-ап буклет под названием «Розовый журнал «, в котором высмеивал всю школу. Когда они узнали, что только я могу рисовать такие красивые картинки, они разозлились и исключили меня.
Оглядываясь назад, могу сказать, что люди хвалили мои рисунки еще с начальной школы, поэтому я решила попробовать. В Токио была школа графического дизайна, где практические навыки не оценивались, и так я начал.
Вы с самого раннего возраста преуспевали в рисовании?
Как и любой нормальный ребенок. Но я рисовал эти извращенные картинки, совсем не как ребенок. Если бы меня попросили нарисовать картину спортивного дня, я бы нарисовал ее с использованием перспективы. Некоторые люди похвалили бы меня, но если это было домашнее задание на лето, они сказали бы, что это сделали мои родители, а если это был конкурс, они бы отказались от него. Я просто рисовал то, что видел, ни у кого не учился. Даже в старших классах, на курсах рисования, у нас был урок, где мы должны были закончить картину за четыре часа, и я подумал, что глупо тратить столько времени на одну картину, поэтому я закончил ее за 15 минут, а остальное время намеренно валял дурака. Потом мой учитель рисования сказал мне, что у меня плохое отношение и плохая осанка, и я получил низкую оценку в табеле. Позже, когда я сделал себе имя, учитель рисования сказал мне, чтобы я пожертвовал свои картины школе (смеется).
Что повлияло на вас в детстве?
Ничего особенного. Я просто смотрел фильмы, слушал музыку и читал романы. На самом деле я не был ботаником. Я был неглубок и широк и не ограничивал себя одной карьерой. Это было хорошо. Мне было около 22 лет, когда я решил начать рисовать профессионально, так что я начал поздно. Я даже никогда не делал никаких набросков. Мои однокурсники в школе графического дизайна были людьми, которые не умели рисовать. Поначалу я был удивлен, недоумевая, почему они изучают такие вещи. Я думал, что основная необходимость — это умение рисовать. Я был удивлен, когда узнал, что есть профессии, где не нужно быть художником, где можно сделать бизнес, используя только свое чувство стиля.
Оглядываясь назад, могу сказать, что люди хвалили мои рисунки еще в начальной школе, поэтому я решил попробовать. В Токио была школа графического дизайна, где практические навыки не оценивались, и именно с этого я начал.
Тем не менее, ремесленный элемент, требующий дисциплины, лежит в основе вашей работы, не так ли?
Думаю, я подходил для этого. Так бывает, когда ты не работаешь усердно, а делаешь все, что хочешь. Говоря высокопарно, тяжелая работа — это доказательство некомпетентности. Если работа совпадает с вашими интересами, вы можете делать ее без усилий. Это приятное ощущение, это выброс дофамина. Интересно, это талант — найти то, что любишь?
Ваша фирменная черта — рисовать металл, она проистекает из какого-то фетишизма?
Мой отец был плотником, поэтому у него были все инструменты, чтобы возиться с деревом, а моя мать шила, поэтому у нас были ткани и прочее. Вокруг были органические вещи, но меня привлекали неорганические. У меня был комплекс по поводу металла. По дороге домой из начальной школы я с глупым выражением лица смотрел на токарные станки на металлургическом заводе, а старик на заводе заставлял меня чувствовать себя неловко. Мне даже говорили, чтобы я уходил (смеется). Когда я думаю об этом сейчас, я задаюсь вопросом, не фетишизм ли это.
С середины 1960-х до середины 1970-х годов реализм, известный как гиперреализм или фотореализм, был популярен во всем мире. Именно в этом контексте мне предложили работу по рисованию автомобиля. Нужно было нарисовать фары и колпаки колес, логически и рационально продумав, как они будут выглядеть на картине. Я рисовал их много раз, думая о том, как сделать их лучше. На первых порах мои роботы выглядели как свинец и алюминий, но постепенно я добился того, что они стали выглядеть как полированный хром. В общем, стремление к свету, отражению и прозрачности.
Я испытываю особое волнение, когда создаю что-то, чего раньше не существовало. Это тяжелая работа. Здорово быть первопроходцем, не так ли? Это прекрасное чувство, когда ты первый в мире. В конце дня мне не очень хочется идти домой, но я уже слишком стар, чтобы перетруждать свое тело. Часы в моей студии бьют каждый час. Это так приятно, что я ничего не могу с этим поделать. Это зависимость.
На первый взгляд кажется, что вы стремитесь к выражению металла и формы, но на самом деле это стремление к тому, как свет взаимодействует с объектами.
Да. Даже когда я рисую лица, я делаю акцент на глазах, губах и влажных зубах, которые отражают свет. По этой причине я сдерживаю другие элементы. Глаза и губы — это то место, куда должен устремляться динамичный взгляд. Вот почему женщины наносят макияж именно туда. Чтобы привлечь мужчин. Я отвечаю на это прямолинейно. Краска не светится, потому что она матовая. Поэтому в последние пять-десять лет я часто использую флуоресцентные цвета. Я добавляю немного флуоресцентного цвета только в глаза, чтобы они выделялись. Остальная часть картины написана акриловыми красками. Зритель видит картину по движению глаз. Так что это стратегия — решить, на чем сделать акцент.
Основная идея — удивить или впечатлить. Например, если вы спите с девушкой, а она говорит: «Я никогда раньше не делала ничего подобного!». Это самое трогательное(смеется). Когда я думаю о непристойных и пошлых вещах, мое тело, кажется, способно обмануть меня, чтобы использовать их.
Значит, табу используется как средство удивления?
Лучший способ удивить людей — это сознательно пошалить со всевозможными табу. В прошлом пин-ап сам по себе был табу, и было всеобщее промывание мозгов, что порнография — это тайна низменных. По сути, это проявление физиологического желания. Вы не можете отрицать его, потому что это хорошо.
В ваших фотографиях также много контраста, например, женщина в стиле пин-ап, взрыв Гинденбурга и русский военный самолет, что можно рассматривать как игру с контекстом.
Вы правы. Я не даю названия своим картинам, поэтому вставляю текст в картину, чтобы сделать ее более понятной. Коллекционеры в какой-то степени образованны, поэтому я стараюсь вставлять маленькие хитрости на латыни. Недавно я рисовал богиню Изиду и в середине картины написал иероглифами «Fuck off» в названии, потому что это было скучно(смеется). А потом мольберт, который я использовал, внезапно сломался(смеется). Коллекционеры и последователи стали интуитивно понятны, и это меня очень радует. Однако я должен быть осторожен, потому что табу в Японии и за рубежом разные. Вы не сможете понять все это, пока не испытаете на себе.
Если окинуть взглядом вашу студию, то можно заметить, что у вас много материалов, связанных со смертью, например, имитация уменьшенных голов и скелетов младенцев, а также пропитанные кровью туфли на ногах.
Есть и Танатос (олицетворение смерти в греческой мифологии). Я бы объяснил это так: гурману приходится есть плохую еду, чтобы быть гурманом; непьющему лучше изображать пьяницу. Если вы сознательно не знаете счетчика, вы привязываетесь только к мотиву, и ваше самовыражение становится поверхностным. Впрочем, меня всегда интересовала и эта сторона. Я рисую SM с узорами, но я хочу рисовать конечное. Предельное в реальности. Мне приходится останавливаться на том, чем может быть такое выражение. Иначе это превращается в несбыточную мечту.
Как, по-вашему, зритель реагирует на ваши картины?
Живопись — это фикция, в которой трехмерное пространство и трехмерная реальность оказываются в двухмерном выражении. Мои картины, например, не могут быть реальными, потому что я использую металл, чтобы передать мягкость и телесность подкожного жира. Я думаю, что мои реалистичные выдумки популярны, потому что зритель впервые сталкивается с ними. Когда я добиваюсь мягкости, это кажется нежным и теплым, несмотря на то, что это металл. Это убедительный вымысел. То же самое происходит и с фотографической экспрессией — вы помещаете в кадр вымысел. Основная идея заключается в том, чтобы удивлять.
Как вы относитесь к тому, что ваша работа с табу теперь рассматривается как «высокое искусство»?
Когда речь заходит о репутации, на нее влияют игроки от искусства. Мне жаль художников, которые от этого страдают. Я вообще ненавижу слова » искусство » и » изобразительное искусство «. Мне кажется, это неуважительно по отношению к людям, которые действительно серьезно относятся к своему делу, когда используются избитые слова. Я — артист, и это развлечение для меня самого. Здорово, когда клиент доволен и даже платит тебе за это. Такого отношения я придерживаюсь уже 50 лет. Люди, которые занимаются тем, что им нравится, выживут, и их работы будут жить сотни лет спустя. С другой стороны, люди, которые потворствуют миру и делают вещи, потому что думают, что такие вещи будут популярны, живут в пузырях. Я считаю, что основной принцип для художника — быть заинтересованным в своей собственной работе. Даже если вас попросили сделать какую-то работу, первое, что нужно сделать, — это сделать ее интересной, беспрецедентной и своим шедевром. После этого приходят деньги. Деньги следуют за деньгами, знаете ли. Я не знаю, почему люди ставят деньги на первое место.
В этом сотрудничестве с PUMA, как я слышал, вы попробовали что-то новое.
Я сотрудничал с различными компаниями, производящими одежду, но PUMA — первая, где я нарисовал персонажей и логотип. С кошкой PUMA я хотел передать ощущение динамичности, поэтому нарисовал ее под другим углом. Мне хотелось создать ощущение скорости, поэтому я по-своему изменил направление и пропорции хвоста. Я также сделал оригинальные логотипы для SORAYAMA и PUMA. Я не хотел просто передать им свои работы и оставить их на их усмотрение, я хотел сделать что-то практичное, чем мы могли бы гордиться, ведь мы выпускаем это на всеобщее обозрение.
Это более высокий уровень ответственности.
Как только я получаю заказ, я отношусь к этому со всей серьезностью. Это всемирно влиятельный бренд. Когда ты занимаешься этим в моем возрасте, ты не хочешь просто идти по головам. Даже если я умру, я все равно хочу участвовать в соревнованиях». Это нежелание сдаваться подпитывает творческий потенциал. Я много раз проверял игру, прежде чем мы ее выпустили, и редко когда я трачу столько времени и сил на обратную связь. Сотрудники PUMA очень терпеливы. Я человек, который будет вечно пытаться что-то исправить, поэтому привлекать других — это жестоко. Но я думаю, что именно поэтому качество продукции превосходно».
Адаптация от двухмерного к трехмерному выражению, должно быть, была сложной. В каких областях вы были особенно внимательны?
Это совершенно не похоже на живопись. Когда вы носите одежду, спина тоже участвует в игре. Я работал не только над передней частью одежды, но и над задней, подбирая цвета и узоры. Вместо того чтобы воспроизводить картину, я больше думал о том, как создать эффект с помощью материала. Я также попросил усилить эффект при ношении одежды. Например, я попросил дизайнеров с нуля изучить японские сукаджаны(ретро-японские куртки-бомберы). Мы придумали, как заставить ткань блестеть при отражении от нее света, чтобы рисунок выглядел объемным. Это уникальная задача для одежды. Когда меняется среда, совершаются новые открытия.
Есть ли у вас любимая вещь из тех, что вы создали для PUMA?
Это CLYDE, синоним кроссовок PUMA. Я поставил перед ними задачу стать самым популярным тренером на свидании. Они сделаны из блестящих золотых и серебряных металлических материалов, вдохновленных моими работами. Я также использовал эмаль на носке. Я также очень тщательно выбирала цвет, и мне пришлось изменить его на голубовато-золотистый. В конце концов, я хотела создать то, что мне хотелось бы носить. В качестве основного визуального образа для коллекции (которая выйдет в следующем году) я выбрала дракона. Я взял его из архива и дополнил. Вы можете видеть, как я кропотливо рисовал его, я даже прорисовывал чешуйки одну за другой. Я с нетерпением жду, когда это станет предметом коллекционирования.
Какую роль играют технологии в вашем творчестве?
Цифровое воспроизведение сильно изменилось. Для картин, после воспроизведения оригинала, я использую 12-цветные отпечатки giclee. Поскольку это красители, возникает приятное ощущение цвета, которое могут дать только цветные отпечатки. Это цвет, который невозможно получить с помощью красок. Я добавляю в отпечатки флуоресцентные цвета и краски, и это гибрид цифровой и ручной работы, сочетание преимуществ каждой из них. На так называемом арт-рынке считается, что отпечатки менее ценны, но на самом деле они гораздо лучше. Я также экспериментирую со скульптурами и впервые работаю над летящей позой. Я работаю с мастером над тем, как сделать ее парящей в воздухе, и как заставить волосы двигаться вместе с металлом, чтобы сделать ее более динамичной. Благодаря технологиям мы можем создавать новые формы самовыражения. Одежда не является исключением. Скучно делать одно и то же снова и снова. Приходится каждый раз придумывать разные техники. Творчеству нет предела.